No voy a entrar en discusiones sobre si la película es mejor o peor que No es país para viejos, porque obviamente no le llega a la altura del zapato. Pero no se puede negar que el genio Coen sobrevive incluso en los terrenos más abruptos. Y por lo que parece no volveremos a ver un thriller (¿puro?) de los Coen en un tiempo, porque las 4 películas que tienen en preparación son todo comedias.

Tengo la impresión de que los Coen van alternando entre sus películas hechas “en serio” y las hechas para pasar el rato, cosa que ya hacen otros grandes cineastas como Francis Ford Coppola (nada que ver el Dracula con Jack). Y está claro que Quemar después de leer es uno de esos entretenimientos semisurrealistas que los Coen disfrutan haciendo con los colegas y que tanto disgustan a los admiradores de Sangre fácil, Fargo, Barton Fink o No es país para viejos, porque dicen que pierde su esencia. Pero está claro también que no se puede ser igualmente genial en todas y cada una de las cosas que haces.

Estamos de acuerdo en que no es la mejor película de los Coen, ni mucho menos, pero no sería lógico ni justo decir que los Coen se han perdido. Están ahí, míralos, agazapados…

En el dibujo de sus personajes: perdedores, torpes, inútiles, auténticos pringados fantasiosos en busca de algo que les haga cambiar sus vida y salir del pozo en que se encuentran (piensa en prácticamente cualquiera de sus películas y seguro que encuentras más de uno). Geniales sobre todo Frances McDormand (como siempre) y Brad Pitt, ella como Linda, una cuarentona solterona que quiere operarse para cambiar de imagen para encontrar a alguien; él como Chad, su comparsa, un locuelo monitor de gimnasia metido a chantajista por casualidad. Frances McDormand, esposa de Joel Coen y excelente actriz, traza un personaje que parece una caricatura trasladada al mundo “real” de las actrices de Hollywood de su edad, que, a partir de los cuarenta son rechazadas por la industria y se ven casi obligadas a recurrir a San Botox y Santa Cirugía para mantenerse jóvenes y trabajando, ocultando en realidad una inseguridad tremenda. Por su parte, Brad Pitt, de carrera cinematográfica irregular, se encuentra ahora en un momento en el que prefiere divertirse haciendo películas que buscar papeles serios, y se mete en la piel de un cabeza hueca manejado por Linda para meterse en una trama imposible de espías y chantaje (impagable ese tupé casi a lo Johnny Suede). En cuanto a los demás, todos los actores parecen dar la vuelta a sus personajes habituales: Clooney explota su vis cómica haciendo por tercera vez de pringado en un film de los Coen (de guaperas deportista a paranoico desesperado), Malkovich saca su lado histriónico como ex-agente de la CIA que es degradado (de tipo elegante y serio a histérico alcohólico), Tilda Swinton se pasa acertadamente a la comedia con un personaje frío y calculador (de dama del teatro a médico sin escrúpulos), J.K. Simmons (el jefe de The Closer) hace uno de los papeles más divertidos del filme como superior de la CIA (de jefe serio a jefe que pasa de todo), y finalmente el genial Richard Jenkins (el padre de A dos metros bajo tierra) es un jefe poquita cosa secretamente enamorado de Linda (de jefe tímido a intento de héroe salvador).

Los Coen también están en el argumento, burla del mundo de los espías, caricatura de la CIA, que no deja de nuevo de humanizar un grupo cerrado, como en Muerte entre las flores (las mafias), Barton Fink (Hollywood)… Personajes tradicionalmente duros y cerrados muestran su cara más humana, patalean, se irritan, meten la pata, como todos.

Encontramos también a los directores en la fotografía (a pesar del nuevo director de fotografía, Emmanuel Lubezki) y el diseño de producción (Jess Gonchor repite después de No es país para viejos), medio de experimentación en gran parte de sus películas (El hombre que nunca estuvo allí usaba el blanco y negro del cine negro de los 40, Sangre fácil usaba el look de los telefilmes de los 80, Barton Fink se acercaba más al look glamuroso y refinado de Chinatown…). Esta vez se busca el color grisáceo de la televisión americana de los 60, cuando JFK fue asesinado y la CIA estaba en su apogeo, con la guerra fría al frente. De hecho se hace directamente una alusión a este tema cuando a la protagonista no se le ocurre otra cosa que contactar con el servicio secreto ruso, edificio gris, habitaciones de madera, pasillos de piedra y hormigón, espías herméticos… en fin, toda la parafernalia estilo guerra fría.

Y en la música también están los Coen, de nuevo encargada a Carter Burwell, habitual en su cine, esta vez experimentando con sonidos rotundos y sólidos en lugar del lirismo épico de las músicas de otros filmes como Fargo o Muerte entre las flores.

Finalmente, el género, mezcla de comedia negra y thriller-cine negro, podríamos decir que es el principal género que tratan los Coen, dosificando la comedia, el thriller y lo negro según el argumento que toque tratar. En este caso, la comedia no es desternillante, el thriller no es extremo y lo negro está presente, pero mucho más edulcorado que en otras películas de los Coen.

Por lo tanto, no esperes cohetes ni fanfarrias. La inteligencia es relativa dice la publicidad y, si eres relativamente ingeligente y te gustan los Coen (una cosa no excluye la otra), esta película no es para nada para quemar después de ver, no es nada más y Nada Menos que otra de los Coen.

Enlaces útiles:
Página oficial de Quemar después de leer (es)
Página oficial de Burn after reading (en)
Página de Quemar después de leer en Imdb (en)
Ethan y Joel Coen en wikipedia (es)
Joel Coen en Imdb (en)
Ethan Coen en Imdb (en)
Carter Burwell en Imdb (en)
Carter Burwell – Página oficial (en)

“Yo no soy cineasta, ni cinemista, ni cinéfilo. Yo soy peliculero” – Eduardo García Maroto.

Poco, muy poco sabemos del cine español de los años anteriores a la Guerra Civil. De hecho, poco sabemos en general del cine español y de la repercusión que tuvieron o hubieran tenido algunos cineastas que se movieron entre aguas y que proporcionaron soplos de aire fresco a la cultura y a la vida de este país.

Es el caso del personaje que nos ocupa en este momento. Eduardo García Maroto, uno de esos trabajadores del cine que crearon un lenguaje diferente, y que sólo salen a la luz gracias a documentales biográficos, ciclos en filmotecas o cineclubs, u homenajes en festivales de cine.

Nacido en Jaén en 1903, comenzó sus pasos en serio en el cine, haciendo de técnico y montador. En Francia, aprende a montar cine sonoro, y vuelve a España, ya que no había muchos técnicos dedicados al tema en esa época en el país. Se dedicó a montar películas de todo tipo, sobre todo en largos de Florián Rey, en su mayoría protagonizados por Imperio Argentina, la gran estrella de la segunda república en España (como Nobleza Baturra), y, mientras tanto, forjaba una prometedora carrera como director de originales y surrealistas parodias hechas con cuatro duros.

Pues sí, ya en 1934, se estrena como director con el corto Una de fieras, caricatura de las películas de aventuras y exploradores en África. Comenzaría también su estupenda relación con el Gran Miguel Mihura, genio escritor de humor y maestro del teatro del absurdo español de primera mitad del siglo 20 en España. Aunque en cuestión de taquilla no tenía nada que hacer frente a El Gordo y el Flaco o Charlot, la gente se divertía tanto con estos cortos, que, de vez en cuando, rodaba algún corto de lo que iba a ser la serie “Una de…” (Una de miedo (foto), Y ahora, una de ladrones…).

El tandem Mihura-Maroto funcionaba tan bien, que finalmente en 1936, pudo rodar su primer largo como director La hija del penal, de nuevo una parodia genial y dadaísta de los folletines dramáticos (hoy serían los culebrones).

El argumento era delirante: Una cárcel está a punto de cerrar por falta de presos, así que cuando sólo queda un reo, los funcionarios lo cuidan todo lo que pueden para que viva lo más posible, y así alargar la situación e ir a la calle lo más tarde posible. Cierto sector del público llegó a pensar que la película era realmente un “dramón espantoso”, cuando en realidad era una crítica a los susodichos culebrones y a la sociedad de la época.

Todo iba viento en popa hasta que estalló la Guerra Civil, y Maroto tuvo que adaptarse a los nuevos tiempos haciendo labores de montaje en documentales de guerra. Se acabó el chollo… la libertad de hacer lo que querían, y el humor absurdo. De esta forma, fue víctima de la censura en sus filmes siguientes.

En 1939, la censura limitó el guión de Los Cuatro Robinsones por pretendidas alusiones religiosas y políticas. Se trataba de una adaptación (la segunda en el cine español) de una comedia de Pedro Muñoz Seca (el autor de La venganza de don Mendo). De nuevo el humor como protagonista en esta astracanada (así le pusieron de nombre al estilo de Muñoz Seca), prima hermana del absurdo. En 1941, quiso realizar un western paródico Oro vil y gracias a la censura la productora le obligó a convertirla en un drama, con lo que el filme perdió todo su sentido e interés, aunque fuera el primer western del cine español. Los efectos especiales eran muy rústicos y ni siquiera los caballos daban el pego, elementos útiles todos para parodia, pero no para drama.

En 1943 recuperó el prestigio ante el público y la crítica dirigiendo “una de” folklóricas, pero ya no en parodia, claro, ya que el de cantaoras era el estilo dominante. El título, Canelita en rama, con Juanita Reina, que arrasó en taquilla, si bien era bastante atípica, como todo el cine de Maroto, y adoptó la forma de comedia musical, más cerca de la alta comedia que del “arsa y olé”.

En el 44, se subió al carro de la comedia “de lujo”, con Mi fantástica esposa, que sin embargo conservaba algo de la tradición absurdista anterior a la guerra, como también lo hizo en el 46 con el estilo de capa y espada con La mantilla de Beatriz (rodada en Portugal) y en el 55 con su última gran parodia surrealista Tres eran Tres, compuesto de 4 cortos, de la que formaría parte los guiones que nunca pudo llevar a cabo de “Una de…”: Una de monstruos, Una de indios, lo que debío ser Oro vil, y, metiéndose con la imagen de la españa de charanga y pandereta, Una de pandereta”. La censura había aflojado un poco en un principio y pudo rodarla, aunque luego la misma censura la capó. Además el público no reaccionó como lo había hecho antes con los anteriores “Una de…”, quizá porque veían el tema paródico un poco repetido.

En los años 50 surgió la iniciativa por parte de un grupo de gente de cine de distinta procedencia e ideas, entre los que estaban Maroto y Fernando Fernán Gómez, de crear la llamada “Cooperativa del cinema de Madrid”. Intentaron granjearse la confianza del régimen rodando una película titulada Truhanes de honor, que, a pesar de haber sido una idea discutida dentro de la misma cooperativa por ser un film dedicado a la Legión, el régimen no lo vio con buenos ojos, por tratar con demasiada ligereza al cuerpo (ni siquiera les gustó el título, porque la Legión eran “Caballeros” y nunca “Truhanes”…). Así que la Cooperativa no tuvo mucho futuro.

En el año 59, cuando Maroto estaba a punto de abandonar el cine definitivamente, dirige Aventuras de Don Quijote, un film didáctico sobre el personaje cervantino.

Y entonces llegaron los americanos a España. Este era un país muy goloso para rodar, barato, variedad de paisajes y localizaciones, todo el mundo dispuesto a colaborar, y, particularmente, porque podían contar con equipos de profesionales competentes por poco dinero. Maroto ya había trabajado en el rodaje de Alejandro el grande, de Robert Rossen en el 56, pero a partir del 59 se convirtió en Production Manager de King Vidor en el rodaje de Salomón y la reina de Saba, rodaje accidentado, problemático y casi maldito (Tyrone Power murió al poco de empezar y tuvo que ser sustituido por Yul Brynner). Su habilidad para capear el temporal se atrajo la confianza de directores como Stanley Kramer (Orgullo y pasión), Jack Cardiff (Esencia de misterio, la primera película con olor), Mark Robson (El coronel Von Ryan, durante cuyo rodaje la policía de Málaga detuvo a Frank Sinatra y tuvo que salir bajo fianza), o Stanley Kubrick (que contó con el para el complicado rodaje de Espartaco). Desafortunadamente, ya no podía dar rienda suelta a su creatividad, pero se ganó una buena reputación en Hollywood. El último film americano para el que trabajó fue Patton, de Franklin J. Schaffner.

Finalmente se acabó el filón de los rodajes en España y con ellos, la carrera de Maroto en el cine. Murió en 1989 con el proyecto de escribir unas memorias tituladas Memorias de un peliculero, que no llegó a publicar, pero de las que Javier Caballero y Luis Mamerto López-Tapia, tomaron el título para el documental que rodaron en 2004 sobre su vida.

Actualmente podemos ver sus películas en un ciclo que está programando la Filmoteca de Andalucía en Córdoba y el documental sobre su vida y obra en la dirección nombrada en las direcciones de internet adjuntas a continuación. Que yo conozca, no se ha editado en DVD ninguna de sus películas como director.

Artículos

El País – Sobre el estreno del documental Memorias de un peliculero – 2005
El País – Sobre el homenaje de la Filmoteca Nacional a Maroto de 1982

Biografías, filmografías y fichas

Eduardo García Maroto en Imdb
Aire (asociación educativa) – Biografía de Eduardo García Maroto
Miguel Mihura en El Cultural
Daniel Montorio (músico de las películas de García Maroto) en la enciclopedia aragonesa

Sobre el documental Memorias de un peliculero

Documental Memorias de un peliculero en streaming
Dossier de prensa en Flash del documental

Fuentes para datos sobre películas españolas de los 30 a los 60
Blog La pantalla franquista en WordPress
Blog Cinemateca nacional

]]> http://kipho.wordpress.com/2008/10/08/eduardo-g-maroto-un-peliculero/feed/ 0 kipho Eduardo G. Maroto Una de miedo, 1934 La hija del penal Los cuatro robinsones Truhanes de honor Con Peter Lorre en Esencia de Misterio http://kipho.wordpress.com/2008/01/22/christopher-guest/ http://kipho.wordpress.com/2008/01/22/christopher-guest/#comments Mon, 21 Jan 2008 23:47:36 +0000 kipho http://kipho.wordpress.com/2008/01/22/christopher-guest/ ]]>

¿Quién es este tipo con pinta de no haber roto nunca un plato? ¿Estamos ante un genio o ante un fulano cualquiera director de comedia en Hollywood? ¿Alguien conoce alguna de sus películas? ¿Probablemente has visto alguna y no lo sabes?

Aunque sus películas no son cracks en taquilla, y dudo que lo sean nunca, sin embargo ganan adeptos en filmotecas, televisiones de pago y mercado del dvd. Creo que estamos ante un pequeño genio, de esos que se esconden en el mogollón de Hollywood, creando pequeñas películas, de pequeño presupuesto, con pequeña distribución, pero que acaban llegando a todas partes.

De familia de alcurnia (Christopher Haden-Guest, Barón de Sailing, en el condado de Essex, nada menos), de origen judío (como el maestro Woody Allen, de obligado nombramiento), actor prolífico desde los años 70, casado con Jamie Lee Curtis, director y escritor de una larga lista de trabajos para TV… su azarosa vida es casi una historia para un guión.

Sin embargo, sus películas son sencillas y humildes, pero llenas de encanto. Son retratos luminosos de obsesiones cotidianas y, en su mayor parte, enfermizas, pero reales, todas ellas enganchadas a la gran obsesión americana: la necesidad de ganar.

Para llegar a “pintar” estos retratos utiliza dos técnicas principales: la ficción “ortodoxa” (vamos, lo que viene siendo una narración al uso, con su guión y todas las cosas) y el estilo de narración documental, que es su principal medio.

Dentro de la ficción ortodoxa, empezó a con su primera película de 1989, The Big Picture (Nuevos Cineastas se llamó en España… esa manía de cambiar los títulos). Protagonizada por Kevin Bacon, este film es una sátira sobre la obsesión de un joven director nóvel para llegar a hacer su película, y su lucha encarnizada contra los gigantes productores de Hollywood por defender su integridad. Cine con look independiente y muy optimista, apuntaba con flecha venenosa y bastantes dosis de ácido al mundo apabullante y caníbal de Hollywood. Mundo que, por cierto, vuelve a retomar en su último film For Your Consideration, de 2006 que narra con grandes dosis de mala leche la obsesión creada a partir de rumores e impuesta a los actores de una pequeña película por ser nominados al Oscar, (genial Catherine O’Hara que pasa del anonimato a la fama y del pelo alborotado y las arrugas, a la peluquería y al botox salvaje). Hasta la más flojita de su filmografía, Almost Heroes (Héroes por casualidad, 1998) tiene algo de esa obsesión por ganar, narrando la historia de unos exploradores que quieren ganar a Lewis y Clarke en un viaje por el Océano Pacífico.

Pero sin duda su técnica de narración documental es lo que más atrae al cinéfilo, y es el formato preferido del cineasta. Él se niega a llamar a sus films “falsos documentales”. Para empezar, el falso documental pretende engañar al espectador aunque sea mínimamente y las narraciones de Guest son claramente ficción. Siempre utiliza más o menos los mismos actores, algunos de ellos conocidos secundarios que el espectador reconoce o cree reconocer, como Catherine O’Hara (la madre artista de Bitelchús (Beetle Juice, Tim Burton, 1988)), o su co-guionista Eugene Levy (secundario de comedia muy conocido tanto por TV como por cine, con un curriculum extenso, desde las Historias de Ray Bradbury en TV a la serie completa de American Pie en cine). Y las historias que cuenta no son reales, pero podrían serlo. Cualquiera de los personajes podría fácilmente existir en algún pueblo de la América profunda.

Otra baza fundamental de sus films, tanto narrativos como de técnica documental, es la improvisación. Los actores improvisan prácticamente en todos los diálogos, siempre observando las pautas que requiere cada escena, pero hay libertad para improvisar, lo cual favorece a la frescura y la inmediatez del mensaje, ayudando a reforzar la técnica documental y, en las películas narrativas (sobre todo en For your consideration), a distinguir claramente entre la ficción dentro de la ficción (la película que ruedan los protagonistas) y la ficción “real”.

Tremendamente original en las formas y en los guiones, Guest utiliza la técnica documental para llegar al fondo, nos conduce a través de cámaras al hombro y testimonios por mundos de obsesiones “locales” como la de un grupo de country de tantos (A mighty wind, Un poderoso viento, 2003), la de un grupo de gente dedicada a montar comedias musicales en Blaine, un pueblo perdido de cualquier estado de América (Waiting for Guffman, El experto, 1996), o la de un grupo de concursantes de un concurso de belleza canina (Best in Show, Very Important Perros, 2000), sin duda la más difundida y una de las mejores del director.

Aquí va la filmografía (sólo de cine, obviamos los trabajos para TV) de Guest como director, pequeña pero muy interesante:

1989 – The Big Picture (Nuevos cineastas)
1996 – Waiting for Guffman (El experto)
1998 – Almost Heroes (Héroes por casualidad)
2000 – Best in Show (Very Important Perros)
2003 – A Mighty Wind (Un poderoso viento)
2006 – For Your Consideration

Enlaces en inglés:

Christopher Guest en IMDb
Christopher Guest en Wikipedia
Página oficial de For Your Consideration (Warner)
Página oficial de Best in Show (Warner)

Enlaces en español:

Christopher Guest, el genio de las mentiras (en Cameo)
Estreno de For Your Consideration (en Extracine)

Ojo! Este nombre tan aparentemente inocente, como de personaje de dibujos animados (nada que ver con El laboratorio de Dexter…), oculta un perverso psicópata.

Pero este asesino no es como los demás. Sus crímenes son calculados y precisos. Él no es un asesino, es un ejecutor. ¿A que suena a Charles Bronson o Harry el sucio? Pues no es que se parezca mucho,la verdad…

Dexter llega para romper el sueño televisivo “Jerry Bruckheimer” de que todo aquel asesino que pase por Miami se las verá cara a cara con Horatio Caine y su equipo del C.S.I. El equipo para el que trabaja estudiando las manchas de sangre (con lo que disfruta lo inimaginable), son policías frustrados por la falta de pruebas, agentes que no son escuchados por sus jefes (su hermana es uno de ellos), jefes más preocupados por la opinión pública que por los resultados, por buscar un culpable que un asesino.

Nuestro protagonista tiene un sentido de la justicia heredado de su padrastro que le obliga a matar con lógica (siempre asegurándose de que el asesino “lo merezca”). Dexter disfruta cazando a los asesinos en serie a los que la justicia es incapaz de atrapar. Algo así como una pena de muerte totalmente selectiva. De ahí la polémica que puede suscitar. Porque lo malo es que Dexter acaba por caer bien. Quizá por que su sangre fría no nos convence del todo, porque el que más mata en la serie es el asesino al que Dexter busca, o porque su fingido cariño por los que le rodean no nos parece tan fingido. O nos gustaría creer que no lo es.

Fotografía luminosa y radiante, casi Kubrick. Música latina clásica (nada de reggaeton!). El protagonista, Michael C. Hall (el hermano homosexual de A dos metros bajo tierra) con esa perfecta imagen de no haber roto nunca un plato. Impecable escenografía. Guiones repletos de ironía. Unos títulos de crédito geniales (muy recomendable verlos en youtube), ganadores del Emmy 2007. Una buena ensalada con muy buenos ingredientes, ¿no?

La serie se basa en el novela de Jeff Lindsay “Darkly Dreaming Dexter”, y, aunque en Estados Unidos ya va por su segunda temporada, la primera temporada de la serie se está viendo actualmente en Fox.

Referencias web:

• Michael C. Hall en imdb: http://www.imdb.com/name/nm0355910/
• Dexter en tv.com: http://www.tv.com/dexter/show/62683/summary.html?q=&tag=search_results;title;1
• Títulos de crédito en Youtube: http://www.youtube.com/watch?v=0Si6YLWRS9A
• Página oficial: http://www.sho.com/site/dexter/home.do
• Página de Dexter en Foxtv.es: http://www.foxtv.es/dexter/

Kipho es el título de un corto publicitario de 1925, dirigido por Guido Seeber y Julius Pinschewer para la ‘KIno und PHOtoausstellung’ de Berlín, una muestra de cine y fotografía. En él se reutilizaban imágenes del audiovisual de la Alemania de esa época. Algunos engloban este film en una categoría que se ha dado en llamar Found Footage, cine realizado con material reciclado.
Reutilizando dicho nombre inauguro este blog. La intención? ofrecer unas pinceladas del mundo de la imagen, en cualquiera de sus formas, en cualquiera de sus sentidos. Reciclar elementos perdidos, destacar joyas escondidas, o perdidas por demasiado obvias. Ojalá que este blog sirva para abrir los ojos a ciertos árboles, en este mundo lleno de bosques.